martes, 25 de marzo de 2014

Caricatura, género artístico


La caricatura ha sido desde el comienzo de la historia un tipo de representación exagerada de unos personajes o de unos hechos con el fin de poder trasmitir un mensaje, una idea, habitual mente de forma sarcástica sobre una cuestión determinada.
Es por ello, el hombre recurrió a realizar una serie de trazos expresivos, o simbólicos, pero tremenda mente simples con los que trasmitir ideas por medio de las imágenes y así llegar a un mayor número de espectadores.
La caricatura, en su sentido moderno, nació en Bolonia a finales del siglo XVI, en la escuela de arte fundada por una familia de pintores, los Carracci.
En España ciertos trabajos de Goya son caricatura, pero es hace un siglo cuando se muestra con Tomás Padró Pedret, Francisco Ortego Vereda (1833-81) y José Luis Pellicer.
La caricatura política nace en Inglaterra.
El máximo exponente de la caricatura ha sido el francés decimonónico Honoré Daumier quien trabajó junto a Achille Devéria, Raffet y Gerard 

Caricaturistas, amplio panorama artístico poco estudiado hasta el momento, pero que parece resurgir otra vez en el mundo del arte, dentro de la categoría de retratos, un gran numero de artistas están trabajando este genero.
Ana Auñón

martes, 18 de marzo de 2014

Pepe Mallent

A-Como fue tu inicio en el arte, tus primeros recuerdos
P-Desde pequeño decían tener aptitudes para el dibujo. La realidad es que mi dibujo a plumilla tenia cierta gracia y también el dibujo técnico, no así el dibujo con sombras, sombras arrojadas.. la verdad es que nunca me gusto. Soy mas de trazar que de perfilar.
En el arte mis primeros recuerdos están en la vivencia de las grandes obras arquitectónicas. Cuando tuve que decidir en que universidad  matricularme surgieron  las dudas entre ser arquitecto o medico. Nunca me arrepentí, pero la verdad es que a la hora de elegir especialidad me decante por la Cirugía Plástica que en cierto modo se encuentra entre la arquitectura y la medicina.


A- Que artistas te influenciaron
P- La escuela de la Bauhaus, Kandiski, Mies Van der Rohe, Palazuelo .. y sobre todo los matemáticos del siglo XIII con Fibonacci a la cabeza. Tambien ha influenciado en mi, la especialidad a la que he dedicado mas de 50 años, la Cirugía Plástica que tiene un capitulo dedicado a la geometría quirúrgica, no en vano lel primer cuadro que realice fue una Zplastia con fondo de plombagina y arena.

A-Como describirías tu arte
P-La simplicidad, el equilibrio, los materiales naturales (acero corten, metacrilato, madera vieja de mobila, arenas, tierras, plombagina), las no imitaciones, el cuidado de  los detalle  y lo geométrico basado en el numero aureo, esas son mis premisas Como dice Einstein: “todo debe hacerse tan simple como sea posible, pero no mas simple” 
¿Es minimalista? No lo creo, aunque intente con menos expresar  mas 

A-Que opinas del arte actual
P-Confusión. En el arte actual lo que predomina es el impacto que puedas generar en la difusión de la obra sin tener en cuenta lo que se hace, lo cual genera una aceptación de una obra como artística, cuando tal vez no lo sea. 

A-Que quieres transmitir con lo que haces
P-Serenidad, sencillez y estética, mi estética 

A-Como es el proceso creativo
P-Idea, proyecto y trabajo cuanto mas trabajo mas ideas, cuantas mas ideas mas proyectos…
No creo en la inspiración que solo se encuentra por delante del trabajo, en el diccionario

A-A quien quieres llegar
P-No pretendo llegar a nadie, solo pretendo llegar a ser yo mismo. Solo los demás serán los que me coloquen en el lugar que merezca.

A-Como ves el arte contemporáneo, y a sus artistas
P-Desorientación y desorientados

A-Que opinas de los galeristas y de los nuevos medios de difusion de las obras como internet, espacios emergentes …
P-De los galeristas que tienen un negocio al que pretenden sacar rentabilidad a expensas de los artistas.  No es la primera vez que han existido movimientos donde los artistas no han querido llevar sus obras a las galerías ni a los museos.
Con la aparición de internet y las redes sociales creo que no tienen un futuro esperanzador. 

A-Sino fueras pintor que te gustaría ser
P-Lo que soy, medico




domingo, 9 de marzo de 2014

Roy Lichtenstein


Cuando la obra de Lichtenstein se exhibió por primera vez, muchos críticos de arte de la época desafiaron su originalidad. Su obra fue duramente criticada como vulgar y vacía.
"Creo que mi trabajo es diferente de las tiras cómicas, pero yo no diría que es la transformación; no creo que todo lo que se quiere decir con que es importante para el arte"(Roy Lichtenstein)

Roy Lichtenstein nació en l Nueva York, comenzó a interesarse por el arte y el diseño como un pasatiempo, ya través de la escuela era un ávido fanático del jazz, a menudo asistir a conciertos en el Teatro Apollo en Harlem
En 1960, comenzó a enseñar en la Universidad de Rutgers , donde fue fuertemente influenciado por Allan Kaprow . Este entorno ayudó a reavivar su interés por la imaginería proto-pop.] En 1961, Lichtenstein comenzó sus primeras pinturas pop usando imágenes y técnicas derivadas de la aparición de la impresión comercial de dibujos animados. Esta fase continua hasta 1965, y contó con la utilización de imágenes de la publicidad que sugiere el consumismo y la economía doméstica. Su primer trabajo para ofrecer el uso a gran escala de las figuras con bordes duros y puntos Ben-Day fue Look Mickey (1961, National Gallery de Arte ., Washington, DC) Esta pieza proviene de un reto de uno de sus hijos, que apuntaban a un cómic de Mickey Mouse y dijo: "Apuesto a que no puede pintar tan bien como eso, ¿verdad, papá ? "En el mismo año produjo otras seis obras con personajes reconocibles de envoltorios de chicle y dibujos animados.
Las obras de Lichtenstein basados ​​en paneles ampliados de los cómics engendraron un amplio debate sobre sus méritos como arte.Aunque el trabajo basado en cómics de Lichtenstein es ahora ampliamente acepta, en su día fue criticado por los críticos que dicen "Lichtenstein no pago ni pidió permiso a los artistas originales o los titulares de derecho de autor".
Lichtenstein recibido numerosos doctorados honoris causa


http://www.lichtensteinfoundation.org/

sábado, 1 de marzo de 2014

Llorenç Raich

 Profesor del Institut d'Estudis Fotogràfics de Catalunya desde el año 1987. Compagina su labor de docente en las asignaturas de Imagen, Reportaje y Narrativa visual, con la de co-responsable del departamento de Actividades Culturales.
A-¿Qué impulsa a una persona a dedicarse a la fotografía?
Ll-Desde mi experiencia como profesor de fotografía compruebo que los alumnos -al igual que la gente de diversa procedencia- parten de un impulso común: la necesidad de comprobar su capacidad creativa y expresiva a través de un medio visual. Después, estos impulsos derivan hacia la fotografía profesional, el fotoperiodismo o el arte pero el origen es el mismo en todos ellos.

A- Para ti la fotografía ¿es un arte?
Ll-Un grupo de palabras escritas sobre una hoja de papel o un grupo de motivos integrados en una fotografía son sólo eso: palabras y motivos. El hecho de que lleguen a ser poesía escrita o visual, arte en definitiva, lo determinará la adaptación al lenguaje que de esas palabras y de esos motivos establezca una persona para definir un concepto, así como la capacidad estética aplicada para impulsar un contenido. El arte es tan difícil de definir como fácil de identificar. Si poema tras poema o fotografía tras fotografía se empieza, además, a reconocer que esa persona ha construido un universo propio que nos invita a contemplar la belleza o a reflexionar sobre aspectos individuales o sociales, es cuando se define a un autor y tras él, una obra y desde la obra, el arte. La fotografía, como la poesía, la pintura, la escultura, el cine, la danza, la música... es un medio capaz de integrar los principios comunes del lenguaje y de la estética con la finalidad de producir una obra de arte.

A- ¿Crees que es más diseño que arte?
Ll-El diseño es un recurso del lenguaje que la fotografía utiliza para sintetizar la expresión de la imagen. Es un medio para llegar a formalizar un obra final ya sea publicitaria, informativa o artística... Este medio, a veces, aparece muy sutilmente en la composición y otras, por el contrario, se hace del todo evidente, como así lo demostraron los fotógrafos de las Vanguardias integrados en la Bauhaus y en el Constructivismo. En ambos casos el diseño era tan visible que dejaba de ser sólo un medio para convertirse en parte de la propia creación. Es el artista con su obra y con la aplicación del lenguaje quien define los nuevos límites, en ningún caso las opiniones ni la teoría.

A- Desde que surgió la fotografía son muchos los artistas que se dedican a ella, como profesor ¿crees que se le da suficiente impulso a esta disciplina?
Ll-Yo vengo de una época en donde cualquier actividad fotográfica era una excepción e interesaba sólo a los círculos fotográficos y dentro de ellos no a todos los que los integraban. En los últimos tiempos, en los museos y en los centros de arte públicos y privados se organizan exposiciones de fotógrafos como se ha venido haciendo con artistas de artes más clásicas. Exposiciones fotográficas a las que, además, asisten todo tipo de gente interesada por el arte en general. Los medios de comunicación dedican espacios de divulgación a la fotografía acorde al interés cultural que suscita en la sociedad. El Ministerio de Cultura del Estado español concede un premio nacional de fotografía. En las becas, concursos y convocatorias diversas de relieve y de proyección artística no se excluye a la fotografía sino que se integra como una más de las artes visuales. En los módulos de plástica de ESO, en el bachillerato artístico y en la facultad de Bella Artes se imparten conocimientos y asignaturas específicas de fotografía, además están las escuelas especializadas sin dejar de apuntar los colectivos fotográficos que de manera autónoma y voluntaria complementan el conocimiento sobre la fotografía. En definitiva, creo que ahora el impulso constante lo debemos de dar todo los que de alguna manera estamos implicados con la fotografía a través de nuestro compromiso con el medio.


A- ¿Crees que tiene suficiente aceptación de público?
Ll-De alguna manera he respondido a este tema en la anterior pregunta pero añadiré que tiene una aceptación mayor desde el momento que se establece con la fotografía un contacto directo en la vida cotidiana. No todo el mundo escribe un poema para recordar la celebración de un cumpleaños o para describir la belleza de un lugar al que se ha viajado, pero sí que de todo ello se hacen fotografías sin mayor dificultad. Esa cercanía con el medio invita a una mayor atención, atracción y comprensión porque con él se ha tenido un conocimiento propio, aunque sea a nivel básico.

A- ¿Para ti la fotografía es más parte técnica, o creativa?
Ll-No se pueden disociar. La técnica sirve para registrar y la creación para comunicar, así es cuando la técnica se convierte en un medio para llegar a un fin; pero también puede haber una aplicación creativa de la técnica, entonces es cuando el medio es el fin en sí mismo. Todo el arte atiende a unos procesos técnicos pero hay que diferenciar entre la técnica del lenguaje y la técnica que requiere un objeto o utensilio. Un poeta no necesita ni de un lápiz ni de papel porque puede recitar a viva voz sus creaciones, un pintor, por el contrario, necesita de un pincel -aunque también podría pintar con sus manos- pero un fotógrafo es el que de manera más evidente necesita de una maquinaria técnica visible. Desde sus comienzos la fotografía está ligada a ella como no lo están las demás artes. Gracias a esa dependencia se ha ido gestando su lenguaje. Cada avance técnico comporta un avance del lenguaje. La aparición de la Leica, con su tamaño y sus ópticas luminosas acompañadas de unas películas de mayor sensibilidad y con un margen de 36 exposiciones, ofrecieron una libertad de acción determinantes para el nacimiento del fotoperiodismo; los matices de colores de la Polaroid dieron una dimensión nueva al color en la fotografía, por poner sólo dos ejemplos del pasado. En la actualidad, la fotografía digital reforzada por los programas informáticos ofrece nuevos planeamientos formales sobre el principio clásico de la creación fotografía que parte de la realidad inmediata. La realidad virtual es un aspecto que empieza a dar obras de un interés sin precedentes en nuestra historia. La técnica es nuestro sino y destino.

A- Algo mas para los lectores
Ll-No me siento un creador si un profesor y teórico de la fotografía, no obstante, hago fotografías para tener presente la complejidad creativa que exijo a mis alumnos, además de estar en contacto con la técnica y con el lenguaje de manera continuada. En este sentido temo que se pueda crear una distancia entre la teoría y la práctica.

A- Gracias Llorenç

Pies de foto:
001 Tríptico. Sobre el poema de Jordi Parramón, La distancia y los días, 2011.
002 Tríptico. Winterreise VII, 2012.
003 Composición. Sobre el poema Nic Dwa Razy (Nada dos veces) de Wislawa Szymborska, 2012.





Arte Necesary

Este es un proyecto para mantener vivo el Arte.
Ana Auñón Gestor Cultural y Critico de Arte